Tristan und Isolde à Bastille (30.11.08)

01.11.2008

Tristan und Isolde
de Wagner
Opéra Bastille, 30 octobre 2008

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Mise en scène Peter Sellars
Vidéo Bill Viola
Costumes Martin Pakledinaz
Lumières James F. Ingalls

Tristan Clifton Forbis
König Marke Franz-Josef Selig
Isolde Waltraud Meier
Kurwenal Alexander Marco-Buhrmester
Brangäne Ekaterina Gubanova
Melot Ralf Lukas
Ein Hirt / Ein junger Seemann Bernard Richter
Ein Steuermann Robert Gleadow

Orchestre et Choeurs de l’Opéra national de Paris
Chef des Choeurs Alessandro Di Stefano
Direction musicale Semyon Bychkov

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Derniere reprise avant d'être retirée du repertoire pour des raisons juridiques relatives à la vidéo, il faut absolument aller voir ce spectacle dont la magie n'opére qu'en salle; une probable sortie en DVD n'en captera certainement pas le dixième de la beauté.

3

C'était la deuxième fois que je voyais cette production, découverte à la création où, happé par la vidéo et la splendeur de la musique (mon premier Wagner!), je n'avais que distraitement apprécié la qualité de la mise-en-scène et était resté muet d'admiration devant la splendeur de la vidéo. Aujourd'hui avec la reflexion, l'experience et mon cheminement dans la découverte de l'oeuvre wagnerienne, je suis plus à même de pouvoir mettre des mots sur mon emerveillement.

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Une fois n'est pas coutume, je commencerai par parler de l'équipe musicale. Clifton Forbis m'a clairement déçu, son Tristan manque d'élégance, c'est débraillé, souvent laid, l'energie est là mais pas du tout controllée, sans compter que sur scène il n'a aucune allure, c'est grossier: lors de sa grande scène de l'acte III il deverse sa souffrance de façon puissante mais erratique et sans nuances, sans conscience du drame et de sa progression, du coup on s'ennuie et à voir sa grosse bedaine sortir de son pyjama on s'interroge: mort ou coma éthylique?
Heureusement Alexander Marco-Burhmester est là pour structurer la scène; je l'ai tout autant apprécié que dans Parsifal ici même où ses qualités d'acteurs et sa sensibilité faisaient oublier une voix assez commune.
Tout l'inverse de ce Tristan, je ne louerai jamais assez le roi Mark de Franz-Josef Selig: la langue d'abord est d'une limpidité éclatante, le phrasé délicat, la voix porte étonnement loin dans Bastille (salle réputée peu favorable aux voix graves) et ce sans jamais forcer, le naturel et la pudeur de l'acteur finissent d'en faire l'étoile du plateau.
Mais il n'est pas le seul, Waltraud Meier brille toujours: même si la longueur de sa partie et l'avancée de sa carrière ne lui permettent plus de flamber vocalement (le medium est souvent sourd et couvert par l'orchestre; l'aigu est puissant mais serré et manque de couleur) la composition dramatique reste mémorable, il n'y a qu'a voir le cri silencieux qu'elle jette à la fin du II ou l'hypnose apaisée dans laquelle elle chante le Liebestod pour comprendre que c'est dans la retenue qu'elle est la plus puissante; d'autant que ce chant très nerveux (loin du moelleux de l'autre grande Isolde actuelle qu'est Nina Stemme) lui permet de rendre superbement la vindicte de l'acte I. Cette Isolde là bouleverse par sa stature.
Elle est accompagnée par la splendide Brangäne d'Ekaterina Gubanova, dans une forme vocale remarquable et qui a retrouvé la belle diction que je louais dans son Nicklausse mais faisait défaut pour son Roméo et Juliette, avec une douceur du timbre que je ne lui connaissais pas.
Les seconds rôles sont moins mémorables, en particulier le Melot de Ralf Lukas qui fait capoter l'assassinat symbolique à la fin du II (mais il faut dire que le jeu pataud et maladroit de Clifton Forbis n'aide en rien), sauf Bernard Richter dont la clareté du timbre et la tenue de la ligne m'ont etonné par rapport au souvenir que je gardais de lui dans Zampa.

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Le choeur de l'opéra de Paris a toujours ce coté mal dégrossi et gueulard, accentué par le fait qu'ils sont placés dans les abords à cour, l'accueil de l'acte I sonne assez paysan. Quant à la direction de Semyon Bychkov elle est assez problématique: il prend le parti de la lenteur et du moelleux comme pour plonger le spectateur dans un océan musical, océan qui symboliquement trouve un écho tant dans le livret que dans la vidéo, ainsi sa direction met très en valeur les cordes, particulièrement les violons et fond le reste dans une douce pate orchestrale très homogène. C'est tout à fait défendable, mais sur 4 heures de musique, le manque de contraste se fait aussi gênant que la manque d'air, cette apnée musicale demande par ailleurs un regain de concentration pour celui dont l'attention est déjà très sollicitée par la vidéo, la méticulosite de la mise-en-scène et le surtitres. Cette direction aurait donc gagné à plus de variété. Cela dit il est toujours difficile de reprocher au chef les défauts de sa direction à l'opéra de Paris, tant l'orchestre se montre peu coopérant si celui-çi n'est pas d'une renommée que les musiciens estiment égale à celle de leur ensemble. On peut donc aussi soupçonner les musiciens d'avoir jouer plus mollement que sous les prestigieuses baguettes d'Esa-Pekka Salonen ou de Valery Gergiev.

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La mise-en-scène de Peter Sellars est la plus déroutante que j'ai jamais vue sur une scène d'opéra. D'abord parce que toute la poésie visuelle est concentrée dans la vidéo: pour seul décor une estrade et des costumes dont les tons vont du gris au noir, le tout sur un fond noir. On ne distingue donc clairement que la peau et le visage des chanteurs, le reste apparait au grès des excellents et très fins éclairages de James F. Ingalls. La mise-en-scène de Peter Sellars se limite donc à deux outils: la direction d'acteurs et les éclairages. La première est réglée au millimêtre, toute son efficacité tient dans son économie qui exclut toute ombre de gesticulation. La seconde est d'autant plus importante que tel le sous-titre d'un excellent film de Fassbinder sur la folie, on peut dire que cette production est un voyage vers la lumière. Je m'explique.
Le livret de Wagner assimile symboliquement l'eau et l'obscurité à la mort et à la passion amoureuse (Eros et Thanatos tout ça), tandis que la lumière est vie et rationalité. Si l'on garde cela en tête on comprend bien des choses:
- le carré de lumière sur Tristan menant le navire au I tandis qu'Isolde est releguée sur son estrade à ourdir sa fatale vengeance (et avec ce simple effet on comprend visuellement que l'amour entre Tristan et Isolde est déjà sous-jacent chez celle-çi)
- un autre carré de lumière tirant sur le vert depuis lequel Kurwenal guette l'apparition du bateau tandis que Tristan mourrant délire sur l'estrade
- mais surtout la fin du I: Tristan et Isolde viennent de boire le filtre d'amour et acostent sur le rivage, la lumière de la salle s'allume transformant la scène en vaisseau et la salle en port peuplé pour fêter l'arrivée de l'expédition (d'où les choeurs dans les abords), le roi Marke arrive au milieu du parterre en face des deux héros ahuris, la tragédie est déjà là, plongés dans la lumière de la réalité, Tristan et Isolde sont perdus et l'acte s'achève sur une extinction des feux aveuglante, comme annonçant l'issue du drame.
Cette symbolique de la lumière on la retrouve aussi évidemment dans la vidéo, mais avant d'en parler. Terminons sur la direction d'acteurs pour signaler l'intelligence de Peter Sellars de placer certains personnages secondaires dans les loges de coté: loin de l'effet éculé que cela peut avoir chez Robert Carsen, la parcimonie du procédé réussit à casser la séparation entre la salle et la scène et à propulser le spectateur dans l'action, ce qui n'est pas chose aisée à Bastille, pour que la magie de l'oeuvre opére pleinement.

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(NB: pour plus de clareté, quand j'évoque une vidéo vous en trouverez une image extraite dans le compte rendu, la correspondance est possible grace aux chiffres entre parenthèses).

Le premier mérite de la vidéo de Bill Viola est d'illustrer des poncifs de l'idylle amoureuse de façon superbe, sans aucune niaiserie. Cela tient évidemment à l'ahurissant travail de photographie et c'est là que l'on comprend que cette production ne marcherait pas avec n'importe quelle vidéo, la qualité du travail de la lumière la rend indisociable du travail de Sellars et surtout, j'ose le mot, idéal pour illustrer la symbolique de l'oeuvre.
Sa seconde qualité est sa lenteur: rien de précipité, les images prennent leur temps et sont souvent ralenties par rapport à la réalité, de la même façon que la musique prend le temps de représenter une situation dramatique assez réduite, la vidéo calque ce ryhtme et les changements de climats musicaux ont toujours pour écho un changement visuel; ensuite l'utilisation répétée d'un très lent travelling-avant (6) poussé à l'excès (du point lumineux jusqu'à la figure) rend très sensible cette éclosion musicale qui caractérise l'oeuvre.

8

L'abondance de cette vidéo est donc purement qualitative et permet une admiration conjointe avec celle de la musique; pour l'attention au texte de Wagner et à la direction d'acteurs, surtout s'il s'agit d'une découverte, il faudra sans doute y retourner sous peine d'over-dose esthétique :o)

Enfin cette vidéo est intimement liée à l'univers symbolique de l'oeuvre: l'acte I est presque un prélude, après des plans sur la mer agitée du littoral irlandais, suit une longue illustration du thème de la purification par l'eau (humilité des figures de l'homme et de la femme mises à nu puis lavées à grands flots par leur serviteur - la symétrie avec les personnages du drame est ici évidente - puis apnée) (7), l'eau qui est celle du philtre d'amour, mais aussi celle sur laquelle ils naviguent. A travers toutes les autres vidéos, l'amour sera symbolisé par l'univers aquatique: le duo d'amour au II en le plus parfait exemple, avant de se retrouver nus dans une mer aussi bleue que pure (6), les amants ont cheminé dans une foret en noir et blanc abrités de la lumière blanche du soleil par les frondaisons ou des rochers, avant d'aller se noyer sur le rivage. Et l'on retrouve ici la lumière! Tout l'air du roi Marke a d'ailleurs pour illustration visuelle un lever de soleil éclatant en couleur sur la campagne (8), traduisant l'opposition avec l'univers sombre et aqueux des amoureux, car l'amour de Marke n'a rien de passionnel, il est purement politique et il y renonce d'ailleurs aisément au III une fois que Brangäne lui a révélé le rôle du philtre et donc la loyauté de Tristan.

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On peut encore pousser l'analyse plus loin (et oui!): car pendant l'air d'Isolde au II, la vidéo nous montre une jeune femme allumant des bougies alignées religieusement (1 et 4). "Ah mais je croyais qu'Isolde c'était la passion, l'eau et l'obscurité" penserez-vous. Ben non. Isolde c'est justement celle qui va apporter la lumière dans cette passion amoureuse, d'où le voyage vers la lumière que me semble être cette mise-en-scène. Et je le prouve. Pendant les souffrances de Tristan au III, on voyage dans une eau trouble et orange annonçant l'arrivée de la clareté (12), ses hallucinations sont rendues par des brouillards vidéos gris (vous savez, ce que vous avez sur votre écran de télé pendant l'orage si vous possédez une antenne herztienne), l'arrivée d'Isolde c'est la clarification de ce brouillard, en mirage d'abord (9) puis nettement (10): derrière elle un mur de flammes (Tristan traversait de façon indifférente un foyer ardent au II (5)), elle s'avance puis plonge dans ce qui se révèle donc être de l'eau et que l'on prenait pour un sol ferme (11). Les bougies se sont transformées en mur de flammes avec la séparation physique et Isolde plonge chercher son amant au fond de l'eau où il est descendu précedemment (3). Même s'il meurt à son arrivée elle le ressuscite par le célebrissime Liebestod: c'est la vidéo que de mauvaises langues appellent celle du cachet d'aspirine (13). Le double de Tristan étendu est porté vers la surface par une pluie d'air ascendante, dans une lumière de plus en plus forte, il atteint la surface au climax du morceau, et à la surface quoikigna? une source lumineuse! (2) Mais pas une source ponctuelle comme le soleil, une source diffuse, une présence lumineuse plutôt dont on ne distinguerait pas l'origine, Tristan flotte dans une lumière bleue comme les fonds marins au dessus de l'onde, tous les contraires sont unis, la musique s'apaise, les derniers accords résonnent, l'enchantement s'achève.

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Bref c'est à voir ABSOLUMENT! Une utilisation si parfaite de la vidéo sur scène est à ma connaissance inédite. Cela dit on peut tout à fait ne pas aimer, mais je ne supporte pas les grincheux qui considèrent cela comme une "distraction"; comme me le disait un papi londonien hier à Garnier :"on est venu pour entendre la musique, le texte, voir les actions de Wagner, pas ça, cela nous détourne de l'oeuvre". Evidemment on baisse les bras devant tant de bêtise qui, prise au pied de la lettre, n'autoriserait qu'à monter des versions de concert, mais le propos était lui même dupe en assimilant insconsciemment mise-en-scène traditionnelle donc déjà vue, habituelle et l'oeuvre de Wagner. Comme si la tradition conservatrice laissait l'oeuvre s'épanouir pleinement. Et il y a fort à parier que ceux qui ont hué ce soir là, sont de ceux qui pensent que le cinéma est un art mineur, alors la vidéo n'en parlons pas! J'ajoute que pour tous ceux qui sont rebutés par Wagner au disque ou en DVD, ce spectacle est une porte d'entrée révée: ce fut mon premier Wagner, ce fut aussi celui de mes parents ce jeudi qui n'ont pas regretté le déplacement. Et la mort d'Isolde sonne de façon tout à fait différente après les quatre heures de musique qu'elle condense en quelques minutes. C'est bien ce qui me frappe le plus dans cette oeuvre: le voyage musical qui nous fait ressortir de la salle tout chamboulé.

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Et pour finir un bon tuyau: pour une fois votre longue attente pour avoir une place à prix réduit paiera, car ce spectacle est surtaxé (196€ en catégorie 1), or pour une reprise et surtout pour une production si déroutante c'est clairement un erreur de marketing, on compte donc de nombreuses excellentes places vides. Deux façons à la Bastille je le rappelle: les places à 5€ (venir à 15h30 au plus tard - lever de rideaux à 18h) mais vous ne pourrez vous replacer pour le I qu'au parterre, or le dispositif scénique et l'acoustique de la salle sont plus appréciables au premier balcon; donc mieux vaut faire la queue au guichet pour les places restantes bradées à 20€, ce spectacle les vaut très très amplement, et vous n'aurez pas à venir aussi tôt que pour les places à 5€. A noter tout de même, le spectacle demande une telle attention, qu'il n'est pas du tout conseillé d'y arriver fatigué, vous louperiez tout. Bon maintenant je me tais, je ne peux rien faire de plus pour vous engager à y aller.