par Nuria Rial et Lopez Banzo  

Toulouse, Chapelle des Carmélites, jeudi 5 oct. 2006 

José de NEBRA: Cantadas al Santisimo Sacramento :

« Llegad, llegad, creyentes » ; « Que contrario, Señor » ; « Alienta fervorosa » ; « Entre candidos, bellos »

+Charles AVISON : Concertos n° 5 et 6, d’après les sonates de Scarlatti

Nuria Rial, soprano

Ensemble Al Ayre Español

Dir. Eduardo Lopez Banzo

**********************

C’est dans le cadre du Festival « Toulouse les Orgues » que ce concert avait lieu dans la magnifique Chapelles des Carmélites, entièrement décorée d’allégories par le peintre Jean-Baptiste Despax (1709-1773), et qui accueille rarement des concerts malheureusement.  

Au programme : des cantates sacrées (mais au très fort parfum d’opéra) de son contemporain José de Nebra (1702-1768). Dédiées au Saint Sacrement, elles sont inédites, et c’est le chef aragonais Eduardo Lopez Banzo qui les a transcrites à partir des manuscrits découverts au Guatemala, où ces œuvres avaient été envoyées de Madrid. Le concert de Toulouse inaugurait une série de concerts où ces 4 cantates pour soprano solo sont ainsi recréées, avec, espérons-le, un prolongement discographique.

Car la musique en est constamment splendide. Lopez Banzo et son ensemble, attachés à la redécouverte du baroque espagnol depuis leur premier disque fracassant « Villancicos » en 1994 (DHM), avaient également sorti un album Nebra, comprenant un Miserere avec des extraits d’une Iphigénie en Tauride (album que je ne connais pas). Et on trouve aussi du Nebra dans l’album d’airs de zarzuelas que les mêmes ont gravés avec Maria Bayo (parution imminente chez HM).

En l’occurrence, ces cantates toutes dévolues à un soprano virtuose combinent 2 récitatifs et 2 airs da capo. L’écriture vocale est très lyrique, souvent brillante, avec un vocabulaire qui évoque tantôt Haendel tantôt Vivaldi, mais surtout elle témoigne d’un sens mélodique de premier ordre et d’une tendresse d’expression remarquable. L’accompagnement orchestral (l’orchestre comprenait14 cordes, avec contrebasse, archiluth et harpe) évite par ailleurs la banalité, par son sens de la surprise rythmique et par sa souplesse harmonique.

Le concert mettait ainsi en vedette la jeune Nuria Rial, déjà connue au disque par sa Barbarina chez Jacobs, des extraits du Lotario de Haendel avec Zazzo (Oehms) et récemment un Stabat Mater de Pergolèse avec Carlos Mena. La voix, d’une souplesse et d’une ductilité admirables, n’est pas grande : on songerait parfois à Emma Kirkby, si Rial n’offrait un timbre beaucoup plus moelleux, d’un charme juvénile constant, d’une tendresse en effet qui conviennent admirablement à ces œuvres. Cependant, le medium est plus avantageux que l’aigu (vite tendu, mais peu sollicité finalement) et surtout qu’un grave que l’acoustique et la résonance des cordes de l’orchestre n’aident guère à s’affirmer : il faut bien convenir que plus d’une fois la voix disparaît en descendant. 

Dans ces conditions, l’extrême raffinement de l’interprète dans la nuance piano se paie parfois d’une dilution des contours ornementaux. Il est vrai aussi que la diction de Rial apparaît assez molle (rançon de sa morbidezza ?), là où Marta Almajano (qui a beaucoup chanté ce répertoire ibérique avec cet ensemble) fait davantage sonner les mots, mais d’une voix plus dure et sans le charme de la cadette. 

Car c’est en définitive le charme et l’élégance qui caractérisent d’abord cette voix d’une fluidité admirable, à quoi s’ajoutent les mouvements légèrement balancés des bras et du buste de Nuria Rial lorsqu’elle chante. Je précise qu’elle ne tangue pas comme Guillemette Laurens, mais semble onduler en respirant avec la musique, et avec une classe qui ravit. 

L’orchestre était excellent, et s’est illustré dans les concertos d’Avison, décidément une musique extrêmement séduisante, où on remarquait la violoniste solo, à qui reviennent parfois des traits d’une difficulté extrême (je ne puis vous dire son nom), et aussi le contrebassiste, mais pour d’autres raisons : c’est le charme espagnol incarné… et comme il reste debout, on en profite. 

Le programme comportait enfin des extraits de pièces pour orgue (positif) du Padre Soler, qui ont paru assez plates comparées à ses étonnantes sonates pour clavecin (vous connaissez le CD de Noelle Spieth ?). 

Mais le lien avec l’orgue, raison d’être du Festival, c’était aussi le projet de construction à Toulouse d’un orgue ibérique, auquel contribuait la recette du concert (si j’ai bien compris). Il s’agit en effet d’augmenter le patrimoine exceptionnel de Toulouse en matière d’orgues par un instrument « ibérique », caractérisé par des couleurs particulières de jeux et par les « chamades », trompettes horizontales installées à la base de la façade. Le projet est en bonne voie, si bien que l’église des Jacobins pourrait bientôt accueillir ce nouvel orgue.

Maurice Ravel : Une barque sur l'océan (version pour orchestre) 
Camille Saint-Saëns : Concerto pour piano et orchestre n° 5 "L'Egyptien" 
Claude Debussy : Printemps, suite symphonique,.Image pour orchestre : Ibéria

Aldo Ciccolini, piano, Orchestre Philharmonique de Radio France, Mikko Franck, direction 
Pleyel, 29 septembre 2006

Le concert donné par le Philharmonique de Radio France vendredi de la semaine dernière fait partie de ces petites merveilles que l’on découvre au hasard d’une saison. L’amateur de concert ayant toujours de forts préjugés, j’y allais en regrettant un peu le 5^ème concerto pour piano de Saint-Saëns dit « l’Egyptien » ! Grave erreur ! C’était compter sans Aldo Ciccolini et Mikko Franck. Il y avait longtemps que je n’avais entendu une telle fusion entre le piano et l’orchestre ! Dès les premières notes, Aldo Ciccolini vous touche, vous emmène dans un long voyage où les thèmes orientaux de l’œuvre paraissent transformés. Rigoureusement rien de clinquant ou de « facile » dans ce concerto. Direction précise, enlevée de Mikko Franck qui s’harmonise totalement avec le piano. Aldo Ciccolini joue en bis la première Gymnopédie de Satie et la salle entière l’acclame debout.  

Qu’il s’agisse d’ Une barque sur l’océan, du Printemps ou de la seconde Image, Mikko Franck impressionne par sa précision, la clarté de sa direction. La seconde Image est éblouissante. On s’imagine dans une Espagne exubérante, pleine de vie et de soleil. L’orchestre philharmonique de Radio France est au sommet sous la baguette de Mikko Franck. Il ne fait aucun doute qu’il est l’un des rares « grands » chefs de la jeune génération. A suivre, donc ! 

HAYDN

Salle de la Cité de la musique
Symphonie n° 93 en ré majeur
Symphonie n° 95 en ut mineur
Symphonie n° 96 en ré majeur « Le Miracle »
Orchestra of the Age of Enlightenment, Frans Brüggen
21 septembre 2006 

La Création
Gabrieli Consort & Players, Paul McCreesh
Sandrine Piau : soprano
Mark Padmore : ténor
Neal Davies : basse
22 septembre 2006

            Haydn, du moins à Paris, est toujours au purgatoire ! Il est bien difficile de remplir une salle même avec certaines de ses œuvres les plus célèbres. Laurent Bayle qui a conçu entre la Cité de la musique et la salle Pleyel une programmation centrée sur ses symphonies londoniennes et sur La Création dans le cadre d’un thème consacré à Londres vient d’en faire l’expérience. A peine trois quarts de salle pour le concert de jeudi dernier à l’auditorium de la Cité de la musique que des invitations largement distribuées (sur Abeille-Info notamment) ne sont même pas parvenues à remplir et pas mal de places libres à Pleyel pour la Création. La saison dernière, déjà, la série de concerts consacrée à Haydn pour un Philharmonique dirigé par Ton Koopman dans la salle de Radio France n’avait pas fait le plein des places disponibles.  

            Il y avait longtemps que je n’avais vu Frans Brüggen. C’est aujourd’hui un homme de 72 ans qui se déplace avec raideur et beaucoup de précaution sur la scène avant d’aller s’asseoir pour diriger l’orchestre. L’interprétation qu’il livre des trois symphonies de Haydn est remarquable de clarté, d’équilibre et de dynamique. The Orchestra of the Age of Enlightenment est un bel ensemble. Faut-il souligner quelques modestes difficultés pour les cuivres parfois à la limite de la justesse ?  

            La Création était donnée en anglais et non en allemand. Quel est intérêt de donner La Création dans la langue de Shakespeare ? Le programme rappelait que cela rapprochait l’œuvre de Haendel. Peut-être, mais les deux compositeurs sont assez différents ! La Création en anglais semble plus légère, surtout dans les récitatifs, soulignant également le caractère parfois très gai, voire même ironique de la musique de Haydn. J’avoue ne pas avoir de préférence marquée selon la langue utilisée.   

            Que penser de la direction de Mc Creesh ? L’ouverture résonne magnifiquement dans la nouvelle salle Pleyel. Mc Creesh nous raconte ensuite une belle histoire, celle de la Genèse , alternant des moments d’émotion, d’autres plus narratifs  et, enfin, dans la dernière partie, le superbe duo entre Adam et Eve. Tout cela est très vivant. Les contrastes sont très marqués. Mc Creesh a le sens des effets. Que penser du Gabrieli Consort ? Très bel ensemble, les cordes étant supérieures aux cuivres ou à la petite harmonie, exception faite des bassons. J’ai quand même trouvé que cela manquait de couleur.   

            Sandrine Piau peut remercier l’acoustique de la nouvelle salle Pleyel. Du très beau chant, mais la voix n’est pas très puissante. Elle ne se livre vraiment que dans le duo d’Adam et Eve. Neal Davies n’a pas trop réussi sa première intervention. Mais, il chante avec beaucoup d’intelligence et a de très beaux graves. Mark Padmore a également cette intelligence du texte même si, ses premières interventions ne m’ont guère enthousiasmé.   

            Reste l’extraordinaire chœur du Gabrieli Consort, placé derrière l’orchestre et non sur les gradins derrière la scène que le public occupait. On reste confondu devant l’homogénéité de ce chœur, sa souplesse, sa capacité à suivre, comme si tout cela était naturel et facile, la partition de Haydn. Ils ont reçu une ovation.   

            En résumé, un excellent concert avec de beaux moments d’émotion même si – du moins pour moi ! – on ne frissonne pas du début jusqu’à la fin. J’étais à l’orchestre sur le côté, donc un peu sous les balcons. L’acoustique est toujours aussi claire et fait oublier celle de la salle de la Villette  !   

            Pour l’anecdote, si les dames musiciennes du Gabrieli Consort sont libres du choix de leurs vêtements, elles aiment les couleurs variées ! Surtitrage au-dessus de l’orchestre.